Bitácora presenta*:
Jueves 12 de mayo, 11 h.
CONVERSATORIO SOBRE LA INVESTIGACIÓN ACADÉMICA EN ARTES
I.Título del evento.
ESPACIOS SIMULTÁNEOS:
Percepciones del espacio desde la investigación artística.
II. Descripción breve
“El espacio es existencial y la existencia es espacial”.
Christian Norberg Schulz
Desde un esfuerzo colectivo entre (organizadores y ponentes invitados) se propone el conversar y reflexionar sobre el concepto de espacio. Siendo este el tema de la conversación. Nos parece que al ser un concepto que atraviesa toda disciplina artística, se orienta en este caso a las artes visuales. La noción de espacio tiene que ver tanto con lo físico, así como lo psíquico-sensorial. Destacando que el espacio puede ser percibido en un “(...) orden creciente de abstracción…(el espacio) pragmático, perceptivo, existencial, cognoscitivo, expresivo, estético y lógico”.[1] Indicando que la concepción y percepción del ser humano del espacio es un proceso complejo, dando pie a reflexionar sobre ‘cómo y de qué manera lo percibe el artista’.
La propuesta de esta actividad busca la realización de un conversatorio en línea, que se llevará a cabo dentro del ciclo de Bitácora - Diálogos entre arte y academia del Posgrado en Artes y Diseño de la UNAM. La conversación estará conformada por alumnos, exalumnos y docentes del PAD/FAD y UNAM. El evento de ‘Espacios simultáneos: Percepciones del espacio desde la investigación artística’ se llevará a cabo con la presentación de ponencias donde se expondrán los procesos y resultados de proyectos concluidos o en curso. Esto para elaborar una reflexión sobre distintos aspectos del espacio, como concepto principal. Es importante realizar este tipo de eventos para divulgar las investigaciones que se realizan en el Posgrado de Artes y Diseño y socializar con público en general así como colegas dentro del ámbito académico. Para fomentar esta divulgación al concluir el evento se contempla la posibilidad de distribuir de manera digital un documento de publicación autogestionada del desarrollo, resultados y conclusiones del proceso teórico y práctico del ejercicio que aquí se propone.
En suma, se hablará sobre las diferentes nociones de espacio que cada uno de los ponentes ha desarrollado a lo largo de su investigación artística ¿Qué comprendemos por espacio? ¿Cuáles son los posibles conceptos desarrollados a partir de este tópico? Son algunas de las interrogantes que surgen en este equipo de trabajo y que nos resulta relevante compartir. Si bien, la noción de espacio resulta abierta, buscamos intercambiar —por medio del diálogo— los diferentes posicionamientos espaciales y reconocer puntos de reflexión.
Nuestros intereses comprenden proyectos que abordan el espacio público, el espacio abierto, cuya problemática es su ocupación, sus acciones y su tránsito; por el otro, mostraremos proyectos mucho más íntimos y reflexivos, enfocados en espacios delimitados, restrictivos, como las habitaciones y el hogar propio.
Ahora bien, hablar de espacio es un tema recurrente en el arte, pues suele ser concebido como escenario, proyección, imaginación, laberinto, refugio, migración, territorio, superficie, tiradero, incluso la obra de arte misma es espacial. Lo que tienen en común estas nociones, es que pareciera que el espacio es inestable y móvil. En palabras del historiador Henry Focillon, es maleable, es decir: “…no basta reconocer que el espacio contiene a la obra, pues ésta, a su vez, transforma al espacio. Ella lo define –e incluso lo crea- según sus necesidades.”[2] Por lo que, nuestro quehacer artístico, propone ciertas dinámicas para ocuparlo, aproximarse y establecer un discurso que visibilice, construya y reflexione una realidad. Para este caso, los proyectos se demarcan entre las nociones de interior-exterior, reflexionando sobre los espacios que habitamos, que transitamos, que intervenimos, que narramos, que destruimos. Como artistas requerimos reconocer cuáles otros discursos y procedimientos creativos son posibles, cómo se originan, cómo se trabajan y cómo es que dialogan entre sí.
III. Estructura (duración, forma de organización, etc):
● Fecha de realización del evento:
○ Jueves 12 de mayo del 2022
○ De 11:00 a 13:30 (tentativamente)
● Duración del evento:
○ Dos horas y media (con la consideración de que se extienda máximo otros 20 minutos en la ronda de preguntas y respuestas)
● Desarrollo del evento:
1. Introducción del evento por parte de Comunicación Académica acerca de las motivaciones de “Bitácora” y aviso de grabación de la sesión (10 min). 2. Presentación del objetivo del conversatorio e invitados de (10 min). 3. Exposición de ponencias - 15 minutos por participante.
4. Ronda de preguntas - 30 minutos
5. Cierre del evento.
Para la realización de este evento quisiéramos solicitar el apoyo de la secretaria académica del Posgrado en Arte y Diseño, al área de difusión con lo siguiente:
● Difusión digital por parte del Departamento de Comunicación en la página oficial de Facebook del PAD y la FAD. Esto para que el evento pueda ser visto por otros alumnos del posgrado que puedan servirse de los temas del conversatorio para ampliar los diseños e interacciones metodológicas en sus propias investigaciones.
● Constancia impresa de participación para los expositores.
● Si es posible, una sala de videoconferencia UNAM a través de la plataforma ZOOM para transmitir y grabar con buena calidad el evento.
IV. ORGANIZADORES
Edgar Miguel Caro (1989, Colombia). Maestro en artes visuales (UNAM), y estudiante del Doctorado en artes visuales del Posgrado en Arte y Diseño (PAD) de la UNAM. Actualmente trabaja como ilustrador científico en proyectos de investigación y publicación del Laboratorio de Ecosistemas de Ribera de la Facultad de Ciencias, UNAM. También, es docente en distintos talleres de formación artística en la Ciudad de México. Su trabajo se especializa principalmente en el uso del dibujo, trabajando en su producción dibujística la relación entre el objeto fetiche como objeto transitorio complejo y el dibujo como una superficie transicional capaz de generar transformación, uniendo lo orgánico y lo inorgánico, al objeto con el individuo. Esta relación es propuesta por medio de la exploración de la capacidad de encarnación (materialización), proyección imaginativa y de juego que presenta el dibujo como medio dentro de sus distintas funciones y lenguajes.
Janneth Alyne Pérez López (Ecatepec de Morelos, Estado de México, 1992). Estudió la licenciatura y la maestría en Artes Visuales por parte de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. El trabajo, en la primera etapa de su preparación, explora el diálogo entre disciplinas como la pintura, el dibujo y la litografía. En la segunda, desarrolla un discurso de carácter personal en el cual la construcción de imágenes, el contexto y la apropiación corporal delimitan su reflexión acerca de la violencia. Ha participado en diversas exposiciones, entre ellas Retrato/Antiretrato, Diálogo abierto FAD-La Esmeralda, Biblioteca Vasconcelos, Ciudad de México (2017), Línea Múltiple, Museo Sebastián, Facultad de Artes de la Universidad
Autónoma de Chihuahua (UACH), Chihuahua (2019). Actualmente es doctorante en Artes Visuales del Posgrado en Artes y Diseño (PAD) de la UNAM.
Mario Gibran Acosta Encinas (Hermosillo, Sonora, 1991). Reside en Ciudad de México desde 2016. Licenciado en artes plásticas por la Universidad de Sonora y Maestría en artes visuales por la Facultad de Artes y Diseño (UNAM). Actualmente se dedica a sus estudios de posgrado en el Doctorado de Artes Visuales (FAD/UNAM) y a su producción personal. Colaborador en el espacio emergente Casa Matriz (2022). En 2019 publicó su tesis en la Editorial Académica Española (EAE) sobre Narcocultura en México y sus aspectos estéticos. Se especializa en la disciplina de la escultura y su temática plástica y visual al igual que su línea de investigación se relaciona con el estudio de la violencia cultural en México. Ha participado como expositor, gestor y organizador en exposiciones en Hermosillo (Sonora), Nogales (Sonora) y Ciudad de México.
V. PONENTES INVITADOS
Judith Alejandra Arámburu García (México, Cd. Mx., 1980). Licenciada en Psicología y Maestra en Artes Visuales, por la UNAM. Actualmente, es estudiante en el Doctorado en Artes y Diseño en la UNAM. Dentro del campo artístico, ha comprendido una trayectoria de 21 años, con una práctica en dibujo y pintura, ha impartido clases particulares (presencial y en línea), y ha participado en 21 exposiciones colectivas. La concepción de dibujo que ha conformado, se manifiesta en un constante vaivén entre lo moderno y lo contemporáneo al percibir esta práctica como medio y dibujo por sí mismo. Algunas de sus temáticas abarcan: interrelación entre pérdida, memoria y espacio; el habitar (casa, hogar, refugio), la repetición, el paisaje y la bitácora. Actualmente, su proyecto doctoral procura un puente filosófico para un abordaje multidisciplinar, partiendo de la tríada espacio-habitar-cuerpo, para explorar las diversas formas del dibujo a través de temáticas existenciales.
Darío Meléndez (Ciudad de México, 1985)
Artista visual interesado en el dibujo como un medio tentacular a partir del cual bordea con otras prácticas (libro de artista, gráfica, pintura, escultura, intervención y fotoperformance). Licenciatura-Maestría en Artes Visuales y Doctorado en Artes y Diseño por la Facultad de Artes y Diseño-UNAM. Proyectos en curso: Las reescrituras de la carne, exploraciones gráficas sobre la masculinidad, Órgano otro y Humo. Presentaciones 2022: Festival de las jacarandas, Universidad Autónoma Metropolitana- Azcapotzalco; ENTORNOS, exposición de dibujo, UNAM y HOGAR/HOGUERA, Casa Milán, CDMX. Publicaciones 2019-2018:
Memorias del Seminario Arte + Entorno, UNAM; Pingüica, aglutinando conocimiento e Incontenible. Entre la creación artística y la conservación, Instituto Nacional de Antropología e Historia. Reconocimientos 2021-2020: Selección de obra, IIIa Bienal Nacional de Autorretrato “Ruben Herrera”, Saltillo (2021); Selección de obra, 8va Bienal Internacional de Arte Visual Universitario, Universidad Autónoma del Estado de México (2020) y Catálogo MonolitoArte/Actual (2020).
dariomelendez.mx
Jane Teixeira
Artista Visual, brasileña, Maestra en Artes Visuales por la FAD/UNAM y Licenciada en Escultura por la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Federal de Rio de Janeiro (UFRJ). Ha trabajado sobre temas de actualidad y lo cotidiano, entre ellos: la violencia diaria, relaciones de consumo y medio ambiente. Utiliza el arte como dispositivo para análisis y reflexión sobre los seres humanos y no humanos en su entorno. Explorando estas nociones desde diferentes medios plásticos y visuales, ya sea, instalación, escultura, pintura, cerámica, fotografía, arte digital o vídeo, los cuales se definen según las necesidades de cada proyecto. Ha presentado su trabajo en Brasil, México y España.
En este momento se encuentra desarrollando proyectos que se relacionan con problemáticas relacionadas con los desafíos planteados por la crisis socioambiental a la cual estamos inmersos en la actualidad, desde un Huerto-Laboratorio creado con la finalidad de observación y experiencia alimentaria. Uno de los proyectos que nacen del Huerto-Laboratório es “Flora Invisible”, el cual, a partir del desarrollo de lo que se siembra se puede observar la aparición de un jardín, que, a causa de nuestra distancia entre lo que se siembra y lo que consumimos no tenemos la experiencia de vivenciarlo.
www.janeteixeira.art
[1]1 Elena Blanch Gonzales. ‘Espacio’ en Conceptos fundamentales del lenguaje escultórico. España, Madrid, Ediciones Akal, 2006, p. 11
[2] Focillon, H. (1999). 10 notas sobre los espacios en el arte. Espacios en el Arte Mexicano, Revista Artes de México, 9, 28-33.
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* 'Bitácora; diálogos entre arte y academia' es el nombre mediante el cual se transmiten las actividades propuestas por los estudiantes y docentes del Posgrado en Artes y Diseño. Todas las propuestas se someten a revisión: tanto desde el punto de vista académico, como desde el curatorial [además de contar con un archivo documentado de los eventos ya realizados]. Respaldo curatorial: César Cortés Vega.
